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Música y videojuegos: El color musical de Epic Mickey...

...O cómo James Dooley consigue fusionar el pasado y el presente de Disney en el juego de Junction Point.

Oswald's Theme

Uno de los temas más significativos y de mejor calidad de Epic Mickey es el de Oswald, la antigua mascota del dibujante, caída en el olvido durante muchos años por culpa de un asunto de derechos y rescatada magistralmente por Warren Spector. Es uno de los personajes principales y su tema, que comparte ciertas características con el de Mickey, es uno de los que más variaciones recibirá a lo largo de desarrollo del juego.

El núcleo central es una simple frase musical de 8 compases, detallada en forma de partitura general para que aquellos que sepáis tocar la podáis interpretar en vuestras casas, construida bajo los principios de la simple pero efectiva forma BAR. Dicha forma consiste en presentar una idea, llamada de forma esquemática como A, repetirla y luego presentar una diferente (o derivada), denominada B. Así, al final nos queda AAB. En este caso, la longitud de A es de 2 compases y la de B de 4, quedando todo perfectamente cuadrado a los 8 resultantes. Es una de las formas más antiguas y más comunes en la construcción de frases y es muy efectiva, como James Dooley nos demuestra.

Después de una breve introducción por las cuerdas en pizzicato, escuchamos por primera vez la frase, en la tonalidad de Do mayor, a cargo del piano. La repite el clarinete y, si os fijáis bien, cuando va a empezar la sección B, aparece el piano para acompañarle y de paso reforzar la variación. Luego se vuelve a repetir la frase, pero esta vez con un carácter festivo e instrumentado para banda en lugar de orquesta. El instrumento que toca las partes A vuelve a ser el clarinete, aunque empleando un timbre más callejero y lúdico-festivo. La parte B es interpretada por el tutti de la banda (es decir, por todos los instrumentos de ésta).

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A continuación, empleando las mismas ideas temáticas, pero en Do menor, escuchamos una especie de interludio que abandona el esquema de la frase inicial para crear así contraste. Esta parte es mucho más tensa y, a su vez, está dividida en dos. Primero empieza con las cuerdas, con el tema en los violines y la lira, y un interesante contrapunto de los violonchelos; después repite en fuerte y cambiando el contrapunto del chelo por un bajo rítmico muy interesante que me hace pensar en los grandes maestros rusos de finales del s. XIX y principios del s. XX. Finalmente, acaba deshaciéndose en trémolos de los violines diluyendo así la tensión y creando una atmósfera efímera pero sugestiva.

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Por último, vuelve a la frase principal, de una forma mucho más relajada. Esta vez es la flauta, acompañada de las cuerdas quien, seguida por el violonchelo, nos presenta las partes A. Y en lugar de hacer la forma BAR, se queda repitiendo las partes A hasta el final, para acentuar así la sensación de reposo buscada. ¿Por qué usa primero la flauta y luego el violonchelo? Para empezar, la música cuando busca el reposo tiene una tendencia natural descendente por ello, cuando se comienza una frase que debe acabar en la calma más absoluta, lo ideal es ir desde lo agudo (flauta) hasta lo grave. Por otro lado, la flauta es un instrumento de viento, lo cual contrasta con el violonchelo, que es de cuerda. El timbre de este último es mucho más denso y profundo, por lo que es ideal para reafirmar el final. Por lo tanto, la combinación instrumental no es fruto de la casualidad o el capricho, sino una forma muy estudiada de llevarnos de la tensión del interludio hasta la calma del final de la forma más satisfactoria posible.